Art abstrait et représentation figurative

Anna Chromy aime développer un thème pour en faire une peinture ou une sculpture de groupe. Afin de mieux se faire comprendre, elle préfère la représentation figurative à l’abstrait. Grâce à sa parfaite maîtrise de l’acte, elle exprime l’émotion dans chaque fibre du corps humain, parfois même dans une enveloppe vide que le corps vient de quitter.

Bien qu’elle réalise des portraits magistralement maîtrisés, ses travaux thématiques font abstraction des visages. Elle ménage ainsi une grande place à l’imagination du spectateur et souligne l’universalité de la sculpture. Ses thèmes sont enracinés dans des souvenirs qui remontent aux premiers jours de son enfance et reviennent sous forme de rêves. La réverbération du ciel rose et mauve dans la Moldau, les sculptures baroques sur le pont Charles, les marionnettes qui dansent sur des mélodies célestes et des monstres en argile comme le "Golem" de Rabbi Loew.

L’histoire (d’un lieu, d’un évènement, d’une personne) et sa transcription dans un Mémorial, la mythologie grecque (Sisyphe, Ulysse, Alcyoné etc.), la Bible, l’opéra, le ballet et la musique en général, de même que l’époque baroque et ses héros (Don Juan, Faust, Hamlet etc.) inspirent à Anna Chromy les images de sa création abstraite. Mais ce ne sont pas seulement les images, c’est aussi la manière dont le baroque savait utiliser les sculptures qui l’a influencée. En effet, l’époque baroque est la seule dans l’Histoire de l’Art qui ait eu recours à la sculpture pour représenter un thème et en faire une partie intégrante de l’architecture. Rien d’étonnant à ce que les génies de cette époque comme Bernini et Borromini aient également été des sculpteurs et des architectes (comme certains architectes modernes, par ex. Frank O. Gehry qui réalisent des sculptures gigantesques avec leurs bâtiments. L’époque baroque a aboli la ligne droite, tout entrait en mouvement, dans un « flux » - justement comme dans les sculptures d’Anna Chromy.

Anna Chromy a redécouvert à sa façon l’ancienne manière de peindre les sculptures. Les tons d’or, de violet et de mauve que l’on retrouve dans ses travaux et qui étaient déjà prédominants dans le style baroque, symbolisent la transcendance et un pouvoir supérieur et confèrent aux sculptures une apparence mystique et magique.

Après avoir travaillé pour beaucoup d’années le bronze, Anna a récemment découvert son amour pour le matériel le plus noble – le marbre blanc de Carrare.

Et de nouveau elle a réussi à surprendre tout le monde en créant avec ce matériel si difficile et délicat des chefs-d’œuvres tel que son Euridice, l’Europe, ou bien sur l’incroyable Manteau de la Paix.